L.D. : Pourquoi avez-vous eu envie d’adapter Hurlevent ?
M.D. : J’ai lu le roman à l’adolescence, à 17 ans, lorsque j’étais au lycée. Je me souviens qu’il y avait sur la couverture du livre la photo d’une maison perdue dans la campagne. Il y avait aussi ce mythe qui entourait Emily Brontë, cette autrice vivant loin du monde avec son frère et ses sœurs, son pasteur de père et son chien, et qui écrivait parce que la vie ne lui suffisait pas et moi, j’habitais dans un petit village à la campagne. Pendant longtemps, j’ai gardé du roman un souvenir lointain, des impressions plus qu’un récit. Mais ces impressions ne correspondaient pas à un certain cliché qui voyait dans ce roman une grande fresque d’amour passionnel, un tube littéraire qui figure dans le top dix des romans les plus romantiques de tous les temps. Pourtant, on a beau tourner les pages, on trouve peu de traces de l’histoire d’amour, peu de scènes entre Catherine et Heathcliff. Pour ma part, j’y voyais une histoire violente, sombre, cruelle, parfois drôle, parfois absurde. C’est une œuvre qui ne s’excuse pas d’être ce qu’elle est, une œuvre dans laquelle Emily Brontë a mis sa vie, et la vie ne tient pas dans une œuvre. Alors ça déborde de toute part et on est tenté de la tailler, de l’élaguer comme on élaguerait les arbres sur le bas-côté pour laisser apparaître une route bien droite. Bien sûr, je ne prétends pas que l’image que je me fais d’Hurlevent est plus vraie que les autres. C’est un roman qu’on lit un peu et qu’on rêve beaucoup. Les critiques littéraires parlent d’œuvre-écran pour désigner cette œuvre que tu as rêvée et qui est toujours plus forte que celle que tu as réellement lue. C’est d’ailleurs l’un des romans les plus adaptés en films mais aucun de ces films ne ressemblait à ce que j’avais en tête. Alors j’ai décidé de le faire.
L.D. : Le cliché du romantisme colle à la peau d’Hurlevent. Selon vous, à quoi cela tient-il ?
M.D. : Dans Pour en finir avec la passion (1), Élodie Pinel avance que ce qu’on appelle la passion renvoie à un certain type de relations de domination entre les hommes et les femmes. Ce qui est intéressant, c’est qu’Emily Brontë met elle-même en crise le romantisme à l’intérieur du récit : influencée par ses lectures, Isabelle rêve Heathcliff tel qu’il n’est pas. L’autrice, nourrie de littérature, avait conscience que la vie n’est pas un roman, que les fictions sont parfois dangereuses et le personnage d’Isabelle peut être vu comme une tentative d’extraire ce poison de son corps. Dès l’enfance, dès l’adolescence, nous sommes construits par les livres que nous lisons, par les séries et les films que nous regardons, par les chansons que nous écoutons. Que faire de ces histoires, une fois devenus adultes ? On peut bien sûr les renier en bloc mais je préfère me demander ce qu’elles ont encore à nous dire. Pourquoi est-il si difficile de s’en séparer ? Qu’avons-nous à perdre ? La question pourrait être posée différemment : – Que faire de notre enfance, une fois devenus adultes ?
(1) Pour en finir avec la passion - L’abus en littérature, Sarah Delale, Élodie Pinel, Marie-Pierre Tachet, Éditions Amsterdam 2023
L.D. : Se lancer dans l’adaptation théâtrale d’un tel roman, ce n’est pas rien... Comment l’avez-vous appréhendé ?
M.D. : Je pourrais dire que nous nous sommes jetés à corps perdu dans le roman, que nous avons bataillé avec le texte mais ce ne serait pas vrai. En réalité, ça s’est fait assez naturellement. Nous étions là, avec ces comédiennes et ces comédiens, avec cette équipe que j’aime et nous avons parlé librement du roman. Nous n’avons pas approché Hurlevent seulement par ce qui l’entourait immédiatement et qui l’inspirait, mais aussi par sa postérité, par les œuvres qu’il a inspirées jusqu’à nos jours. Et elles sont nombreuses, que ce soit dans la littérature, dans la musique, au cinéma ou à la télévision. Nous nous sommes laissé traverser par des séries fantastiques, des films de vampires et de loups-garous, par Twin Peaks et Buffy contre les vampires…
L.D. : Vous avez également mêlé au roman des éléments de la vie d’Emily Brontë...
M.D. : Je n’arrivais pas à séparer les deux. Hurlevent est un roman qui déborde son intrigue. C’est ce qu’on appellerait aujourd’hui un univers étendu. Les personnages vivent et meurent mais ne suffisent pas à épuiser la lande : on sent qu’il pourrait s’y passer des milliers d’autres histoires. Depuis ce petit presbytère du Yorkshire où elle a passé la plus grande partie de sa vie, Emily Brontë a inventé un monde. Nous voulions donner à entendre la musique mystérieuse de ses poèmes, ses tentatives d’écritures fracassées sur le mur du réel. En un sens, on pourrait dire que le personnage de Nelly, la gouvernante et narratrice de cette histoire, est proche d’Emily Brontë. Mais, à vrai dire, je pense qu’elle a mis une part d’elle-même dans chaque personnage. Et puis, le nom de Brontë est indissociable de cette fratrie : ce frère et ces sœurs qui écrivaient depuis l’enfance et sont morts jeunes après avoir vécu plusieurs vies dans les mondes imaginaires qu’ils s’inventaient. Pour moi, l’histoire de Hurlevent pourrait être inventée par des enfants : « Et là, Heathcliff revient après trois ans et, en fait, il va racheter le domaine. »
L.D. : La musique était-elle présente pour vous dès le départ ?
M.D. : C’était impossible sans musique parce qu’il fallait trouver comment le théâtre pouvait traduire la puissance de l’œuvre. Hurlevent a été beaucoup mis en scène au cinéma, mais au cinéma, ils peuvent aller tourner dans le Yorkshire, ils ont les éléments avec eux ! Ici, elle dit la lande, le vent, la pluie, l’orage. Par ailleurs, elle appartient totalement à ma recherche théâtrale, c’est un langage qui ouvre des mondes.
L.D. : Pourquoi avoir choisi les ondes Martenot ?
M.D. : Je crois que je cherchais autour du thérémine parce que c’est un instrument qui peut raconter les fantômes. Et puis, Simon Hatab [le dramaturge] m’a parlé de Nadia Ratsimandresy, compositrice et improvisatrice d’ondes Martenot, et la rencontre avec cet instrument comme avec son interprète a été une évidence. Les ondes Martenot offrent un vaste spectre sonore, du bruitisme à la mélodie. C’est un instrument intense, capable de déployer un matériau proche de la noise tout en étant mélodique. Nadia est une partenaire de création dans l’écriture : elle est
vraiment une compositrice de plateau.
L.D. : Pourquoi avoir fait le choix de faire exister la langue anglaise au plateau ?
M.D. : Souvent, les choix se font intuitivement en répétition. La question était : quel rapport peut-on avoir à la langue d’Emily Brontë ? L’anglais est une matière de jeu, une matière sonore. Les comédiens ne jouent pas de la même manière dans une autre langue. Parler anglais nous déplace et, d’une certaine façon, nous libère du poids de notre identité. Le rapport au sens s’en trouve changé. J’aime quand le sens est un peu lointain, qu’il se perd dans la brume, qu’on ne le distingue pas bien. Et puis, au fond, c’est une utopie de vouloir mettre en scène un roman parce qu’un roman est écrit pour être joué dans notre imagination. Par moment, la langue anglaise nous permet de se replier sur ce monde intérieur, d’aller vers ce silence qui manque au silence.
L.D. : Comment avez-vous choisi la distribution ?
M.D. : Ce sont des personnes qui m’accompagnent depuis longtemps, qui ont un rapport physique à la scène. Ils sont capables de transmettre par leur corps, par leur énergie, par leur voix, par leur humour, par leurs contrastes de jeu, toutes les dimensions du roman. Je ne réfléchis pas en termes de rôles ou de psychologies. Tout apparaît en répétition. C’est en répétition que nous nous sommes dit, par exemple, qu’il était évident que Sacha Starck joue les rôles du frère et de la sœur - Edgar et Isabelle - réunis dans un même corps. Nous avons cherché par des improvisations, en étroit dialogue avec l’écriture d’Emily Brontë, dans un va-et-vient permanent entre le roman et le plateau. Ces acteurs et actrices sont aussi des auteurices.
L.D. : Vous dîtes que la langue du plateau ne peut être qu’une chimère. Que voulez-vous dire ?
M.D. : L’écriture de plateau, c’est comme assembler les différentes pièces d’un puzzle, sauf que ces différentes pièces n’ont pas nécessairement été pensées pour s’emboîter les unes avec les autres. Les interprètes viennent d’horizons différents. Ils ont chacun leur rapport au texte et à la fiction. Rien n’indique qu’ils étaient faits pour se rencontrer. L’enjeu est de les faire cohabiter, coexister un heure ou deux au plateau. Nous construisons des spectacles qui ressemblent à des hôtels. Nous cherchons à faire émerger un langage commun mais commun ne signifie pas homogène : il est composé de langues différentes. Ces différences, je ne cherche pas à les lisser, à leur appliquer un vernis qui les ferait disparaître. Je n’essaie pas de résoudre ni de taire les contradictions. Catherine aime Heathcliff mais elle épouse Edgar et cette contradiction insoluble génère le roman.
L.D. : Votre spectacle est très hybride, il mélange les tonalités, les registres... Il y a du poème, du jeu, de l’abstraction, de l’onirisme, du fantastique... Est-ce que cette dimension était importante et qu’est-ce qu’elle apporte ?
M.D. : Au théâtre, je peux m’ennuyer très facilement si je ne sens pas qu’il y a de la vie au plateau. Les spectacles très carrés, très homogènes, ne m’intéressent pas. Je n’aime pas sentir que les interprètes sont de simples supports pour le texte. J’ai besoin que ce soit libre, débordant et inattendu. Que les interprètes aient cette liberté amène une certaine hybridité, parce que l’idée qu’iels se font d’une scène ne correspond pas à celle que je m’en faisais. Mais c’est là tout l’intérêt, non ? Ne me dites pas ce que je sais déjà : dites-moi plutôt ce que j’ignore, montrez-moi que cette œuvre, que je croyais connaître par cœur, peut encore m’échapper. Je pense que le théâtre est profondément un endroit de réflexion critique, tout en étant un endroit d’expérience esthétique et émotionnelle. Il y a une constante dans nos pièces : que ce ne soit pas figé, que ça laisse une surface de projection à l’imaginaire du spectateur.
L.D. : Chacun porte quasiment le même costume, comme pour un chœur. Pourquoi ce choix ?
M.D. : Je pense que l’inspiration est venue de la fratrie Brontë mais cette inspiration est ensuite passée dans la machine à laver des répétitions alors si quelqu’un me dit qu’il voit tout autre chose, je suis bien d’accord avec lui. La robe est une façon de déjouer les rôles. Mes spectacles racontent souvent des communautés, même quand il s’agit d’un roman où il y a soi-disant deux personnages principaux. Travailler des premiers rôles et des figurants ne m’intéresse pas du tout. Avec Hurlevent, c’est la première fois que j’ai des rôles, que je peux dire : - Youssouf va jouer Heathcliff, Émilie va jouer Nelly etc. Mais je ne veux pas que ces rôles soient des prisons. C’est étrange, ces romans où il
y a des emplois, des personnages fortunés qui ont la santé fragile et des domestiques qui - on ne sait pourquoi - ne tombent jamais malades…
L.D. : Dans la scénographie, il y a beaucoup de choses autour de la métamorphose...
M.D. : C’est parce qu’il n’y a pas beaucoup de choses au plateau. J’aime bien quand le spectacle se régénère de lui-même, quand il n’y a pas besoin d’ajouter 1 000 accessoires : pas de table, pas de chaises, pas de fauteuil, pas de cheminée, pas de porridge…